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如何在镜头前表演 版权信息
- ISBN：9787541151545
- 条形码：9787541151545 ; 978-7-5411-5154-5
- 装帧：书写纸
- 册数：暂无
- 重量：暂无
- 所属分类：>>
如何在镜头前表演 本书特色
如果你有舞台表演的背景，你需要学会如何在镜头前工作。在这两种媒介中，好表演的基础都是“聆听”，但银幕对演员另有一番要求，你需要做出有创造性的调整，才能奉献*好的表演。这本书会详细解释其中的一切。 ——托尼·巴尔 *** 《如何在镜头前表演》一书从厘清舞台上和镜头前的异同开始，引领表演学习者带着正确的判断进入影视表演的独特领域。作者托尼·巴尔将自己从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结提炼，形成了一套简单而快速奏效的影视表演技巧，并通过42个配套练习帮助演员适应镜前表演的技术需求。本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言。对于每一位闯荡片场的新人来说，它都是一本**的实用手册，会“手把手”教你成为一名职业演员。 ◎不要带着这种心理去试镜：“如果他们不能透过我的衣服看到我的才华，让他们去死吧！”穿对衣服是为了让选角团队一眼认定你看上去像那个角色，这样他们会把全部注意力放在考察你的表演和个人素质上。 ◎要全神贯注地听导演说话，寻找他所追求的完整含义，不要让他不得不打断你的表演，三番五次甚至十几次对你提出同样的要求——*后他可能会绝望地放弃并喃喃自语：“以后再也不要用这个演员。” ◎不要为了“丰富”表演而添加并不属于某个时刻的元素。也就是说，你不可能靠一场戏或者一个片段就赢得奥斯卡金像奖，所以别费心了。保持简单，演出关键点，剩下的自会水到渠成。 ◎我们在任何明星身上都会发现一种特质，那就是威信。你在表演时无论做什么，都必须坚决果断地去做，动作也要简洁明了。这些特质会形成某种威信，有威信的演员才会吸引观众的注意力。
如何在镜头前表演 内容简介
《如何在镜头前表演》是一本经典的影视表演教材，根据作者从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结而成。从镜头的私密性出发，本书有针对性地提出了快速奏效的表演技巧，辅以42个必须拍摄下来的练习，通过对比分析不同表演方式的效果，帮助演员熟悉并适应影视拍摄特定的技术需求。此外，作者还分享了表演风格的发展变化、电影和电视的拍摄机制、演员如何开始职业生涯等实用知识，从试镜、准备角色到片场拍摄、与导演合作，每一步都提供了精确、细致的指导。 本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言，并被《洛杉矶时报》誉为“适合表演学习者的一流教材，刷新职业演员认知的一本好书”。
如何在镜头前表演 目录
推荐序
前言
致谢
**部分 表演
第1章 电影和舞台：一枚硬币的正反面
第2章 电影表演风格的发展
第3章 表演方法
第4章 定义表演
第5章 聆听／感觉
第6章 角色
第7章 聚焦和注意力集中
第8章 能量
第9章 情感
第10章 自发性
第二部分 揣摩角色
第11章 准备工作
记河涝洞幼晕页龇ⅰ婚
关键点
在剧本上做标记
第12章 事实和条件
第13章 想象力
第14章 记住角色，而非台词
课间休息
第三部分 表演手段
第15章 节奏和变化
第16章 动态
第17章 动作
第18章 需求
第19章 选择性
第20章 个人化
第21章 有生命和无生命客体的形象
第22章 反正统的胡闹练习
第23章 从演员的角度看待喜剧和正剧
第24章 试读和试镜
独白
第25章 与导演合作
第26章 由外而内，还是由内而外
第27章 概括总结
第四部分 电影和电视的拍摄机制
第28章 片场**天
第29章 电影制片厂和摄影棚
第30章 电影一细节
第31章 拍摄一场戏
机位序列
第32章 电视演播室
第33章 多机拍摄的电视节目
第34章 特技
第五部分 电影和电视生涯
第35章 开始演员生涯
第36章 明星
第37章 镜头前的表演练习
远景和特写镜头
音量
发掘你的特质
角色和特质
聆听／感觉：存在感
回话练习：聆听
回话练习：说话者
复杂和简单的桥
聆听／感觉：打电话
聆听：反应镜头
关键点：对手的参与
试读：给台词编号
视觉焦点
能量和在乎：提高赌注
情感：身体对抗练习
对抗情感
多个镜次：逐次进阶
预期：推迟爆发点
即兴创作角色前史：提高背景的真实感
关键点：准备工作
“掐点儿”vs刺激
使用黄色荧光笔
关键点：积极的选择
节奏
肢体表现：前进一后退
关键点：积极的需求
黑帽子：扮演反派
扮演反派
被打断的对话
面对往事：避免陷入遐想
潜意识
身体接触练习
使用道具
反传统练习
喜剧思路
喜剧思路：欺骗
喜剧思路：性与爱
喜剧思路：交流不畅
试读
试读：眼神交流
试读：技术性细节
与群众演员合作
后记
出版后记
展开全部
如何在镜头前表演 节选
第1章 电影和舞台：一枚硬币的正反面 演员的主要职责是把思想和情感传达给观众。记住这一点，你就更容易理解舞台表演和镜头前表演的主要且非常简单的区别。 在剧场里，观众可能离你只有几米远，也可能离你有两层楼座的距离，而你有责任把所有信息传达到观众席*远的角落。所以，你需要用更大的能量表演，用更高的音量说话，肢体表现要更加夸张，而细节的微妙之处则很可能会丢失。尽管如此，舞台表演的宽容度非常大，因为观众就算看不到微妙之处，也会认为细节是存在的。一场演出是“充满暗示”，还是仅仅停留在肤浅的姿势、表情和动作而没有背后的真正冲动，在坐在前几排的那些人以外的观众眼里，看上去可能都像真的。 当你在电影中表演时，因为观众通常只和你相距一两米（用镜头的位置算），你可以很轻松地向观众传达你的思想和情感，就像和坐在桌子对面的人交流一样。镜头差不多能触到你的鼻子，话筒几乎就在你的眉毛上。而且，由于电影这个媒介本身的特质，导演和剪辑可以（自行决定）让观众在一场关键的感情戏里目不转睛地只关注你的表演和表情。在电影院里，你的个头被放大了很多倍，肢体表现的任何细微之处也被放大了。在电视上，一个充满屏幕的特写就会让观众把所有注意力放在你的脸上，所有细节同样能被观察到，而且在一定程度上也被放大了。 因为在电影媒介中，你离观众的距离实在太近了，他们很容易就能理解情节，而且因为他们的全部注意力都被引向了你，你可以轻而易举地传达信息。除此之外，剪辑通过把观众的注意力急速地从一个人或者一件事转移到别的人或事上，能够让情节更加戏剧化。在一部剪辑高明的电影中，画面的剪切都是由刺激引起的。大多数时候，那些刺激影响的都是下一个镜头中将要出现的人物。本质上，剪辑表达的就是刺激所产生的效果，所以你不需要给你的反应加戏，不然效果就太过了。因此，戏剧中为了达到自然的效果而比生活中夸张的风格，在电影中变得不必要，甚至是不受欢迎。而且，如果你有任何不忠实于角色所思所想的行为，观众都能够觉察到。镜头前容不得欺骗。你要么真诚，要么虚伪。 我们举一场戏为例。一名女子回到家，丈夫告诉她，她妹妹打电话来说她们挚爱的母亲昨晚去世了。观众会根据自己和情节相关的生活经验来预测这个消息对女子情绪上的影响。导演和剪辑会给这名女子切一个特写，使观众只能看到她，就算她什么都不做，观众也能体会到她的心情，无论这心情是怎样的。如果她的行为有不忠实于角色之处，观众心中刚涌起来的情感就会幻灭，因为他们会认为她的反应不可信。如果她只做出真实生活中会有的反应，甚至再弱一点儿，她的表演也会是*有效的。关键在于简单而不失激情！（这里的激情主要是指情感能量，和性没有关系。） “简单”这个词看似很好理解，但要达到其本质并非易事。要做到这一点，需要你相信自己。它对你的要求是：作为一名演员，你必须有足够的把握在表演中精准地表达，把角色演对、演活，让观众能理解你传达的信息。 演员们为什么那么害怕观众可能会不理解他们的感受呢？其实观众是站在你们这边的，他们帮你们完成了一半的工作。这是他们的“工作”：观众花钱来感你所感，想你所想。他们跟随着你的整个演出直至这一刻，所以他们能够理解你的感受。他们打开电视或者走进电影院，就是为了寻求一份感动。所以说，他们不是来挑你的刺的。观众也有情感，这些情感是人类共通的，所以如果你是真诚的，他们会理解你在受到刺激的时候应该有的感受。他们会以同样的情感回应你！所以你可以相信简单的表演。你必须做到简单！ 关于这件事有一个精彩的故事。葛丽泰·嘉宝（Greta Garbo）曾主演过一部电影《瑞典女王》（Queen Christina，1933）。故事的主角是一位美丽聪慧的年轻女王，她爱自己的国家，也受到人民的爱戴。可是她爱上了一位西班牙特使，放弃王位要跟随他去西班牙。她登船去见他，却发现爱人在和恶人进行了一场决斗后奄奄一息。电影结尾是特使死去，剧本里没有写对话也没有提示任何舞台动作。嘉宝不知所措，她想做什么都感觉不对：这么说显得太冷漠，那么说又显得太软弱。*后，高明的鲁本·马穆利安（Rouben Mamoulian）导演有了主意。他让嘉宝什么也不要说，只是慢慢地走到船的前部，向30米开外眺望（一分钟），并嘱咐嘉宝“连眼都不要眨”。她照做了，导演让摄影机慢慢向她靠近形成特写，并且保持了一段时间。仅此而已。 导演在电影首映散场时等在影院门外，听到观众们意见不一：有的认为她“太脆弱！”有的认为她“很坚强！”还有的认为她“非常勇敢！”人们在她身上投入了他们希望她应该有的情感，而她的表演是中立的，并没有偏向任何一种情感。她在内心对特使的死做出了自己的反应，而且做到了简单。观众们参与了进来！他们完成了自己的工作！ 如果你用自己的所有感官真诚地聆听，而且能对刺激做出完全的反应，那么观众没有理由不入戏，你也没有理由情感不充足或口头表达不精准。你根本不需要特意表演给观众看，好像在说“快来看我，我是不是很有情感？” 永远记住，电影表演的精华在于简单。阿斯纳告诉过我一句非常恰当的名言：吉尔古德爵士在排演《人生阶段》时，有人问他表演*困难的地方是什么，他答道：“把它变简单。” 另外，记住“简单”并不意味着了无生气，而是不失激情的简单。如果你的母亲被人杀害，无论在电视屏幕上还是在好莱坞露天剧场中，你都会有同样的情感。唯一不同的是你如何表达这种情感。 这使我想起好莱坞有一句俗语：“少即是多。”我认为是胡扯。少就是少。我需要重申：表演的激情是一样的，只是表达的方式在镜头前与在舞台上不同。这句俗语其实应该改成：“更少的外部表现会更加有效。”把奇妙的激情内化！ 为了达到这种简单，你需要记住：在舞台上，你的表演必须穿透你的对手，投射到剧场的*后一排；换句话说，你的表演需要跨越人造的空间或戏剧空间。但在镜头前，你的表演跨越的是真实空间。你不用担心剧场后排的观众，只需与你的对手交流即可。 劳伦斯·奥利弗 在其自传《一个演员的自白》（Confessions of An Actor）中曾谈到自己早年的从影经历，以及在剧场和摄影棚之间的来回转换： 当时，人们认为舞台表演和电影表演是两种完全不同的技艺，甚至是不同的专业。我们现在知道这种评价绝对不正确——事实上，两者的差异极为微妙。舞台表演和电影表演需要的材料是相同的，但是它们所占的比例不同。你可能需要多年苦苦摸索的从业经验才能体会到两者间的精确差异，而这些差异又会因为演员性格的不同而产生许多微妙的变化。我花费了多年时间学习电影表演，其中至少有十年因为偏见和无知，演得只能算是勉强过得去。在那之后，我必须重新学习如何在舞台上表演，不过，由于结合了电影表演所需的真实感，戏剧化的夸张倒是减少了。 *后一点：在舞台上，你可以献出一场演出。在镜头前，你*好将其视为一次经历！ ……
如何在镜头前表演 作者简介
托尼·巴尔（Tony Barr，1921—2002），演员、制片人、表演教师，美国演员工会、导演工会成员。早年在百老汇从事表演和舞台监督工作，后在好莱坞出演了大量影视剧。20世纪50年代进入哥伦比亚广播公司担任制片人，代表作有电视剧《高潮！》（Climax！）、《90分钟剧场》（Playhouse 90）等。之后，在美国广播公司工作13年，任至节目执行副总裁，又重返哥伦比亚广播公司，任节目执行副总裁至退休。1960年在洛杉矶创办了电影演员工作坊，打破基于舞台的传统训练模式，率先将摄影机引入了演员的培训。
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