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我们正是在特具原创性的中国作品里，看出画家受所接触的西洋画影响；甚至说得更确切一点，西洋影响还似乎正是造成其原创特质的重要激素之一。中国的绘画传统太健康、太肯定自己的自足性，故而难为外来的入侵文化所湮没。人类学家的刺激扩散效应观念（stimulus diffusion）或许最能够用来形容中国画目前的这种反应：本土文化撷取了外来的理念与模式，然却赋予其一个新且本土化的内涵，如此，本土文化便被驱向了一个它原先不会发展的方向。 发现西
本书结集了作者多年对现代画坛大家及名家的评论, 也有对亚太地区名家画作的点评及随感。文章涉及画家文人的一些往事, 读来真切、感人、有趣...
时间回溯至1863年，法兰西美术学院主持的官方画展拒绝了大部分报名参展的作品，引起被拒绝艺术家们的强烈不满。拿破仑三世为安抚民众举办了“落选者沙龙”，马奈《草地上的午餐》横空出世，引发19 世纪西方艺术目前优选争议，“现代绘画”由此粉墨登场，“印象派”这个影响了一个世纪美学思想的绘画流派也由此诞生。“落选者沙龙”因此成为世界艺术进程中的划时代事件。在此之后，官方艺术的影响逐渐变小，艺术家们开始不拘流派技法，进行自由的创作，巴黎市也在自
西方人在19世纪的世界博览会和出口商品商店发现日本绘画后，一下将日本艺术推到了在靠前上广为人知的新高度。这种大行其道的状况随即招来了各种批评，西方的评论者开始哀叹日本艺术品中纯粹的日本艺术正走向消亡，同时其与西方文化混杂的态势却在不断上升。日本人以推出了“日本画”(nihonga)来回应这种批评，这是一种按照靠前当代艺术市场的要求，对日本传统绘画进行了重构的绘画门类。《现代日式绘画的创立》一书探索了“日本画”的视觉特征和社会功能，追溯
《礼仪中的美术》（精装版），合平装本上下两册为一册，收录有名美术史家巫鸿教授自1985年以来发表的论文31篇。这些论文围绕着“礼仪美术”（ritual art）这一基本概念讨论了中国上古和中古美术中的多项艺术传统和形式，包括史前至三代的陶、玉和青铜礼器，东周以降的墓葬艺术，佛教、道教美术的产生和初期发展等。这些论文大量使用考古和文献证据，以扩大美术史研究的广度和深度。作者结合人类学和社会学的理论和方法论，探讨建筑、雕塑、画像和器物等各
本书是继《礼仪中的美术——巫鸿中国古代美术史文编》之后，巫鸿先生在三联书店推出的第二部学术论文集。与《文编》集中探讨中国古美术的“礼仪”功能相比，《二集》的论题侧重考察中国美术中特有的“时空”观念，以及它在不同媒材的图像中的表现和释读。“时空”的观念与表现是巫鸿近十几年集中思考的一个主要问题，他认为这是另一条可供理解中国艺术独特性的线索。全书分为三部分——上编：时空的形象；中编：观念的再现；下编：图像的释读，所收1992—2007文章
《历代名画记》是晚唐士人张彦远的代表作。作为画史之开端与绘画百科全书，它对中国的绘画、艺术理论有莫大的影响。本书不仅向读者展示了《历代名画记》的成书过程，也图文并茂地介绍、解读了绘画作者的人物评价与作品评价之间的关系、儒家思想与老庄思想共通的“气”之思想与用笔理论等，以及这部名著的种种魅力。余自弱年，鸠集遗失，鉴玩装理，昼夜精勤。每获一卷、遇一幅，必孜孜葺缀，竟日宝玩。可致者必货敝衣、减粝食。妻子僮仆，切切嗤笑。或曰：“终日为无益之事
高居翰中国晚期绘画史收官之作，离开其浸研多年的文人画，将注意力集中在传统画论和收藏家不屑一顾的“世俗画”（vernacular painting），是其晚期学术转型的代表作。中国传统画论奉文人山水画为圭臬，将受主顾委托而创作的“世俗画”视为匠人之作，而非“艺术品”，世俗画及其作者也因此少有文字记载。高居翰认为，这些“失语”的、鲜有人关注的世俗画，值得更严肃的研究，也是打开艺术史研究面向的新兴资源。《致用与娱情》通过对120余幅盛清时的
肯特是20世纪美国有名的画家、作家、冒险家，他曾经在世界各地游历，足迹遍布阿拉斯加、火地岛、冰岛、格陵兰等，创作了许多描绘当地大自然风光的油画和版画，还撰写了一系列有关历险与探索生活的著作，并绘制了许多精彩的插图。肯特的版画作品为美国艺术界带来了很大影响，作品大多是以人物为主体，以优美、完整的人物造型，表现人的崇高与尊严感，歌颂人的英雄主义感情，赞美人的创造力，他画面上的人物都带有理想化的色彩。他为《白鲸》《老实人》《十日谈》《莎士比
《黄泉下的美术》是巫鸿对中国墓葬艺术传统的综合性研究。他从空间性、物质性、时间性三个比较观念性的角度，阐释了中国墓葬艺术从史前一直到宋辽金这漫长时段中的历史变迁，也具体呈现了他尝试建立的一套系统的处理和理解考古材料的理论方法，从而生动地向我们展示出中国古人对于“生”与“死”这一人生基本问题的看法和实践，对读者多有启发，对研究者也有一定的借鉴意义。 ...
全书二十讲，所述皆为名家杰构，凡绘画、雕塑、建筑、装饰美术诸门，遍尝一脔。既讲述大师们个人的身世片段、艺术风格、学问修养，又结合历史、文化、经济、社会之时代背景，将文学、音乐、哲学等融为一体，深入浅出地阐发人类对真、善、美理想的不懈追求。 在傅雷的引领下，我们被带往几个世纪前的翡冷翠、罗马，荷兰、英国、法国……走近乔托、波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、伦勃朗、鲁本斯、委拉斯开兹……感受杰出作品里蕴藏的精妙的造型语言、细微的
《美术史十议》所收的是巫鸿在2006-2007两年中为《读书》杂志“美术纵横”专栏所撰写的十篇文章。每篇短文的主题或古或今，或近或远，或宏观或微观，从多种视角引出对美术史的反思和想象。...
本书从艺术史的角度对史前至秦汉、隋唐、两宋这几个时期中国陶瓷的器形和艺术风格的演变进行了研究，特别是对其演变的动因进行了追根溯源的探究, 将中国陶瓷放置在与不同材质和文化相持相让的适应过程中加以动态的描述。书中以大量的案例，解释了陶瓷始而模仿金属器（包括商周青铜器、隋唐金银器）和外来文化，进而融合金属器的器形和纹饰（包括外来文化带来的艺术元素和工艺），终而在造型、纹饰、釉色各方面均创造出以宋代五大名瓷为代表的登峰造极的杰作的完整过程。
本书融合了传统汉学及艺术史风格分析的方法，以各时代最具代表性的作品，讨论和分析了中国绘画史的衔接与转变，也尝试将中国绘画的意向和含义与思想史、社会史、经济史的种种因素联系起来，介绍了作者以及诸多行家集体努力而达到的对中国绘画的看法。此外，书中也精选了美国、日本、台北故宫的大量名作，并对它们进行了细致解读...
本书在传统中国画笔墨的基础上提出“水论”，从技术（包括工具材料）和观念（包括绘画形式）两个方面展开研究，来论证中国画与“水”相关的技法和观点，对现代中国画提供水这一角度的物质与精神的支持。 水是传统中国画与现代中国画的分水岭。传统中国画因水从中锋派生出侧、卧笔的发展过程，是用线造型派生出用笔造型的发展过程；现代没骨画是有笔派生出无笔的发展过程，即侧、卧笔派生出融合两类不同性质颜料的“撞”“泼”造型的发展过程。对水的各种形式的运用，是
“这就是十六世纪末画坛的处境：浙派可以说早已过气五十年有余；宫廷画院在十六世纪初之后，也未见任何重要画家服务其中；苏州一地虽有职业画家传统，但在唐寅与仇英之后，便无出色大家；而业余文人画传统，则在1559年文徵明谢世之后，急遽地萎弱。此一关键时刻的中国画史，正是本书要探讨的对象。在此一较为晚期的阶段里，由于文献的记载比较完备，我们可以处理一些元代或明代初期所难以探讨的课题。”——高居翰 山外有山，晚明绘画许多不但深具感染力，且极
一幅画的细节中隐藏着作者试图传递的私人密码。这些密码呈现的丰富信息是画家对细读之人的“回报”，它悄悄影响着观者与画面的互动以及对它的理解。通过细节把握绘画可使惯性思维中不为人所见的信息显露出来。 一个脱离了原先画面、独自出现在人们眼前的细节，可以引发人们对艺术史业已形成的基本概念的怀疑：它们是什么？为何出现在这里？本书即是有名艺术史家阿拉斯从细节角度“破译”大师之作的一种充满想象力的探索，从达?芬奇到马奈，从中世纪教堂到布面油画……
《中国水墨年鉴2022》是中央美术学院“中国水墨年鉴”课题组推出的第三部年度水墨观察录，是继2020年、2021年的“年鉴”之后，再次对中国水墨创作的年度现状展现，并刷新了此方面的作品记录。这些作品充分彰显当代中国水墨的绵延生命力与裂变进化力。书稿由“艺术家”“水墨文章”“水墨现场”“水墨大事记”等部分构成。内容重在呈现水墨艺术家在秉承与创新的原则上，所作出的近期新创作与艺术变化；挖掘学术热点，展现时代关切；回顾课题组系列学术展览及其
《江岸送别》包含一段自成首尾的中国绘画发展段落，始于明初，终于十六世纪末，此时引领明代画坛的风潮似乎已有疲态，正是革故鼎新的好时机。 我在撰写《江岸送别》时，已经变得比较专注于其他的问题，譬如，注意到了以地方派别来归类艺术家的重要性；职业画家与业余画家分野的复杂性；以及在明代画家的社会地位与其画作题材和风格之间，我看到了一些明确的相关性。 ——高居翰 明代初期与中期，服务于南北两京的宫廷院画家以及活跃于浙江、福建和其他地
元朝正值蒙古人入主中原，也是中国早期与晚期绘画的一大分野。业余文人画家登上画坛舞台，从此改变了中国画史的发展路径，也引发了一场风格上的革命。他们与前人遗留下来的定型格式分道扬镳，为的是具体表达情感与心绪，使山水画成为表现自我的工具，形成了“隔江山色”的典型构景。本书为“中国古代晚期绘画史”计划的肇始之作，在结合画家生平与画作题材的基础上，高居翰以更宏阔的视角探讨各风格传统或宗派的发展脉络，进而观察元代风格革命的本质，以及许多画家的个人
梁实秋
刘争争
[美]艾玛·克莱因 著,韩冬 译
[英]蕾秋·乔伊斯 著,焦晓菊 译
宋瑞祥 著
汪曾祺
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